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miércoles 12 de octubre de 2016

"La cultura no es un objetivo de la educación"

Fernando Farina. Uno de los curadores más destacados de la Argentina participó en un seminario en Mendoza acerca de herramientas y oportunidades para los agentes de la industria cultural.

El mendocino Daniel Rueda es uno de los más reconocidos marchands del país, pero hace unos meses decidió dar un paso más allá de su rol de galerista y crear un espacio artístico integrador, donde los diferentes actores del hecho cultural tengan la posibilidad de expresarse, capacitarse y volcar esa experiencia de manera multiplicadora.

Por eso a fines del mes pasado se presentó en Mendoza el seminario "Herramientas y oportunidades para agentes de la industria cultural", dos días de disertación e interacciones entre diferentes protagonistas del ámbito de la comunicación, legislación, regulación y gestión cultural; con presencia personal y digital en teleconferencia.

Estuvo destinado no sólo a artistas, sino también a emprendedores, diseñadores, arquitectos, gestores de instituciones públicas, privadas, funcionarios públicos y todos aquellos que de una u otra forma participan en las actividades del sector.

Con una gran convocatoria, uno de los disertantes fue Fernando Farina (Rosario), licenciado en Bellas Artes y presidente de la Asociación Argentina de Críticos de Arte, con el cual Diario UNO abordó las problemáticas que van desde la educación y el público hasta las formas de legitimación de los artistas.

–¿Qué importancia tiene para una región que sus agentes culturales estén capacitados?
–Esto es válido para cualquier disciplina y para cualquier región. Uno no ficciona sobre lo que es la cultura en su propia actividad, sin reconocer el contexto, sin reconocer los agentes y para qué puede ser utilizado lo que uno está haciendo. Creo que uno de los problemas fundamentales es que hay como cierto autismo a la hora de desarrollar las actividades culturales, y lo digo no sólo por parte de los artistas, sino por todos en líneas generales, también por las instituciones. Hay una visión muy sesgada de dedicarse a hacer cosas y no se interpreta por qué hay que hacerlas, para quiénes están dirigidas, qué significan, a quiénes podemos sumar.

–¿De qué manera entonces se desarrollan estas acciones?
–Hay gente que por una cuestión intuitiva o mayor formación va logrando desarrollar esas acciones y las van consolidando. Lo que sí me parece es que tanto por parte de autoridades, instituciones y artistas no hay una visión en ese sentido, no hay un plan, un programa que implique objetivos, qué hacer y para qué, en realidad lo que hay son acciones. Tampoco tenemos herramientas de evaluación, entonces los proyectos se disparan y no se sabe cómo medirlos. En el tema del arte pasa mucho, creen que si va mucha gente a una muestra o se vendió mucho está todo bien y la verdad es que son parámetros que se tienen en cuenta, pero no son esenciales.

–¿Cómo se articulan estas acciones con los intereses del público?
–Considero que la educación es un punto importante para conocer las problemáticas del público y el problema más serio es que requiere un trabajo de muchos años para un cambio significativo, porque la educación en líneas generales es muy mala. Trata de ser instrumental a no se sabe qué cosa: sociabilizar, dar a los estudiantes herramientas para que se inserten en el mercado laboral, entre otros; pero el problema es que la cultura no es un objetivo en la educación. Como ser humano creo que lo más interesante es que uno pueda disfrutar de las expresiones artísticas y para eso se necesitan herramientas.

–¿Es una falencia que advertís en la mayoría de los colegios?
– En las escuelas más progresistas generalmente lo que tienden a hacer es incentivar la creatividad de los estudiantes y en ese sentido está muy bien, pero no necesariamente ofrecen herramientas de lo que podríamos llamar "asociación cultural", que implica la apreciación artística, de las letras, de la música, etcétera. En un punto te incentivan, que está muy bueno, pero por el otro no te dan herramientas para entender estas expresiones y apropiártelas de alguna forma.

–¿Qué rol desempeña el Estado en todo este proceso?
–Estos procesos son muchas veces intransferibles. Por ejemplo, no se puede comparar con lo que sucede en otros países, porque si bien esas experiencias ayudan a pensar claramente, uno se encuentra con sus propias limitaciones, sus propias leyes, sus propias situaciones. Si uno se pone a pensar en la institucionalidad artística de Mendoza, en la importancia de que las instituciones mendocinas empiecen a legitimar a sus artistas y desconozco que el Museo de Arte Moderno tiene goteras y por lo tanto no se puede abrir al publico y el Estado no parece estar demasiado preocupado por reabrirlo y no se compromete, y no hay una reacción de los artistas para exigir al Estado ni de la gente, entonces hay situaciones a analizar. ¿Qué pasaría si en Francia de golpe cierran el Louvre? Yo creo que lo bajan al presidente. Estos contextos claramente son muy importantes y no pueden desconocerse, no puede desconocerse la realidad institucional en estas situaciones.

–¿Cuál es el contexto actual del arte argentino?
–Pensemos en un español que quiere un libro sobre arte argentino. Se compra un manual y lo que va a encontrar es todo lo que pasó en Buenos Aires y legitimó Buenos Aires, con algunas salvedades. No se sabe qué pasó en Salta, Jujuy, en Mendoza. Hay un punto inicial que es lo que yo llamo la construcción de un nuevo relato. No se puede permitir que el relato del arte argentino se mantenga igual y quede en manos de Buenos Aires. Lo que genero es pensar cómo construir este nuevo relato y ver la legitimación de los artistas y de los espacios donde desarrollan su actividad.

Su perfil
Experiencia. Es licenciado en Bellas Artes (especialidad en Teoría y Crítica del Arte) e ingeniero civil. Fue director del Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino, de Rosario, y desde su creación en 2004 y hasta 2007 del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario. Fue secretario de Cultura de Rosario entre 2007 y 2009.
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